Dibujos con paint

Yucef 1, 2 y 3

Ofrezco disculpas por mi tan prolongada desaparición nuevamente. Tengo conciencia de que esta desaparición se debe a mi poca administración de tiempo. Últimamente el dibujo ha estado presente en casi todo momento, con lo cual las otras materias que veo se han opacado considerablemente. No obstante estas últimas semanas han sido de basta reflexión sobre muchos aspectos del arte  la vida en sí. Para corroborar lo ya dicho, me gustaría hablar de un artista que acabo de conocer y que me ha impactado con sus pinturas. El estadounidense Cy Twombly (http://www.cytwombly.info/) es un artista que propone una obra que aunque no posea cualidades conceptuales abismales, tiene una fuerza plástica Impactante.  También estoy en una etapa de dibujo de doble pliego que ha sido gratificante.
Con respecto a las clases de las últimas semanas, me parecieron muy interesantes los videos subidos por el profesor. Coincido en el pensamiento de que muchas personas tendemos a esperar un largo o cortometraje fílmico a la hora de apreciar un video arte. Por otro lado la falta de clase  me ha parecido frustrante ya que prefiero la posibilidad de poder ver a una persona por un medio físico. Tengo conciencia de que el profesor es una persona de importante trayectoria y de muy ocupada agenda, más no comparto la decisión de que alguien tome la docencia y  no pueda asistir al aula por tanto tiempo. Aprecio que el profesor nos diera la posibilidad de chatear, pero no creo que se haya hecho mucho avance del como esperaba para esta clase.  Con dos semanas restando de esta clase solo espero tener alguna propuesta final para trabajar en estas dos últimas semanas.
Con respecto al Toche ilustrado me gustaría decir que la idea del colectivo ha tenido pequeños frutos pero que la idea tiene nobles finalidades. Por mi parte he recopilado muy interesante información del Dibujante Francisco Grisolía. Opino que su capacidad técnica de dibujo y su madura síntesis  sublime y de mucha fuerza. En la siguiente publicación muestro el catálogo de una exposición del artista en 1991. Casualmente en esta edición el Artista Franco Contreras hace una pequeña reseña sobre Grisolía, que habla de un artista de mucha sensibilidad que plantea un discurso de la nueva figuración a través del dibujo. 

 

http://www.youtube.com/watch?v=zjeeWWRV8pg&feature=youtu.be

video prueba

Pido disculpas por la prolongada desaparición que tuve con los dos encuentros anteriores a la última clase. Espero este texto pueda enmendar mi desorganización con el tiempo que es un problema tangible en mi vida. No obstante con solo plantear el problema  ganamos muy poco. La idea de disciplina en todas las acciones, sea desde ahorrar hasta poder tener planes solidos del futuro, ha sido últimamente tema de sustancial reflexión. Para poder llegar a metas específicas es primordial idear sistemas integrales que abarquen desde lo más sencillo hasta lo más universal. 

Ya entrando un poco en materia en la quinta clase hablamos de muchos elementos que deberían ser básicos de la cultura universal del creador teniendo énfasis en el creador venezolano.  Me gustaría empezar con la bienal del marco y la pantalla. Nos enteramos que una de la sedes de este evento es la casa donde vivió Tulio Febres Cordero  y de cómo los entes de poder capital no apoyaron este evento. El profesor nos recomendó ver al arquitecto de altísima trayectoria, el tachirense Fruto Vivas, quien tiene la particularidad de haber sido profesor en la Universidad de los Andes.  Me dio mucho gusto poder ver que este arquitecto tiene una incursión muy agradable hacia el dibujo. Tiene un trazo muy suelto donde se puede ver un alto dominio del dibujo. Nos tomamos un momento para hablar del marabino Rafael Reif que es un orgullo venezolano al ser rector del MIT(uno de los institutos tecnológicos más importantes del mundo). También fueron mencionados Nanju Pike(primero en proponer el video arte) y el referente principal en los orígenes del video arte venezolano Carlos Castillo, de quienes por mi poca experiencia con la investigación en el ciber espacio, no he encontrado ninguno de sus video arte. Luego fue mencionado el nombre Starsky Brines que para grata sorpresa resulto ser un artista venezolano muy actual. Sus pinturas me recuerdan a la escuela que dejo Jean Michel Basquiat por su alta fuerza expresiva y su carga critica. También tomamos un paréntesis para ver los trabajos de Bill Viola, que es uno de los artistas contemporáneos más importantes, llevando el mundo tecnológico a posibilidades casi ilimitadas al momento de mostrarnos una sublime y a la vez expresiva experiencia estética. La verdad no he tenido ni el tiempo ni la velocidad de internet adecuada para poder tener un dictamen apropiado de este artista. No obstante lo muy poco que he visto me parece magistral. Luego hablamos de personalidades como la poetisa caraqueña Yolanda Pantin, el performancista valenciano Javier Tellez. El profesor también nos recomendó leernos el legendario poema Ítaca que personalmente me parece una respuesta a como debe ser la búsqueda de lo que es deseado por el artista. Una de las finalizaciones de la clase fue un ejercicio que consistía en formularle una pregunta al artista Cruz Diez. Todavía sigo pensando y no sabría que preguntarle.

El sábado tuvimos una breve y amena quinta clase por internet que básicamente era un espacio para hablar de la facultad, de sus problemas y de soluciones risueñas a la misma.
 De este encuentro me dejo marcado que un estudiante mencionó que el arte se trata de la DIFUSIÓN. En gran medida quería plantear mi punto de vista pero considero que chatear no permite plantear de manera muy clara el escrito y más aún cuando hay mucha gente escribiendo al mismo tiempo. Pero en mi opinión (por que en el arte no existen verdades sino perspectivas(otra opinión)) El arte no es difusión. Considero que la difusión es una causalidad de la creación. Para mí el arte es una búsqueda interna de inconmensurable  sinceridad, es una visión que se engendra por la avasallante necesidad de crear lo no visible, pero no para los demás sino para uno mismo. Me baso en los testimonios sobre el arte de Rilke, de Klee, Quintana Castillo, Franco Contreras, entre otros y  posiblemente de muchos artistas que no conozco.
Esto va de la mano con el proceso de dibujo que llevo. A decir verdad en estos momentos no he subido ninguno de mis trabajos al medio digital no por razones de mi mal manejo de los medios digitales, ya que he trabajado en la recopilación digital de los mismos, sino que estoy en un proceso de investigación, apenas llevo unos tres años dibujando y mucho menos tiempo tomando  interés verdadero al mundo del arte. La verdad no creo tener un trabajo que sea objeto de contemplación todavía. Espero no consideren estas visiones mías como una degradación de mi trabajo ni mucho menos. Pero quiero dejar en claro que en estos primeros soplos estoy es en la alcanzable búsqueda de la solución técnica la cual trato de combinar con una modesta carga plástica. Y solo puedo concluir que cuando los grandes hablan (Klee, Rilke, Merhi, Contreras, Kandinsky, Viola, y un sin número más) los demás debemos callar y observar con infinito detenimiento y humildad para tener las herramientas de nuestros cosmos interiores.

En la clase pasada comenzamos hablando un poco sobre el artículo "La Enseñanza del Arte como Fraude" por Luis Camnitzer.
El profesor habla sobre el arte en la institución, de cómo la mayoría de los profesores no apoyan a los estudiantes en muchos aspectos primordiales para la formación, de como para algunas personas los estudios universitarios son una pérdida de tiempo que solo busca un título, de lo importante que es la intensidad,
Hablamos sobre el entendimiento de las herramientas y los medios que nos conducen a un destino deseado. Un medio que se puso como ejemplo es el del dibujo. Persónamele la opinión del dibujo solo como medio no me parece del todo correcta, posiblemente porque el dibujar me es una disciplina en la que estoy incursionando y encontrando sentimientos y respuestas a incertidumbres sobre el arte que conocía solamente a través de la lectura teórica del arte. No obstante no me gustaría menos preciar. Cuando lees un texto como Cartas a un joven poeta Rainer María Rilke o Teoría del arte moderno de Paul Klee, sientes alguna forma lo que me gustaría intuir como sublime. Si pudiera definir en palabras  podría decir que es una sensación autentica, algo no reproducido del exterior sino un autodescubrimiento donde se puede sentir la intensidad de una manera tanto mental como física que de modo inmediato hace reflexionar sobre lo que es el artista y los momentos de soledad que se enfrentan al universo de las posibilidades.

También hablamos de exponentes mundiales como Manuel quintana Castillo que refuerza el pensamiento del artista y la soledad, Alfredo Boulton, Historiador del arte Venezolano primordial  Alejandro Otero, del escritor del libro Amor y terror de las palabras  Briseño Guerrero que  empezó a desarrollar su obra a los cuarenta y tantos años, del precursor del folclor en Venezuela Juan Lizcano y hasta de Parménides, el ser que fue.

Para finalizar me gustaría dejar un resumen que hice del libro del Teoría del arte de Paul Klee libro que me parece de suma importancia para la formación del artista.

 El libro Teoría del arte moderno de Paul Klee es texto de lectura y relectura para toda persona que tiene deseos de acercarse a la creación artística. Generalizando a groso modo estos escritos muestran la visión del creador visual, del genio que de manera espontánea vive fenómenos (atemporales) que solo personas de un nivel muy elevado pueden sentir; plantea el  arte como principio finalidad, causa y efecto, realidad que no se ve pero que existe y puede ser plasmada a través del trabajo plástico. Postula todos los elementos que un artista debe tener para ir en la búsqueda de la obra perfecta, búsqueda que es afortunadamente inútil ya que somos seres limitados.  

Para poder tener un entendimiento de la obra de arte, Klee habla sobre las estructuras y como la composición debe ajustarse a los soportes y los relieves. En la pintura los arboles no deben engendrar semillas ni los hombres respirar, por eso no debes ser copia exacta de la realidad.

Teniendo esto en mente Klee reflexiona los ismos de su época, planteando como el impresionismo  debe ser examinado y lo relaciona con el expresionismo. El primero es más inmediato, abierto a las variaciones ópticas, se centra en los fenómenos cromáticos y su aplicación a través  de la memoria o del instante, mientras que el segundo que poseen problemas de formas, puede tardar hasta largos momentos en desarrollarse dependiendo de las impresiones recibidas.

 También rinde un momento para hablar del cubismo como una rama de la expresión no muy comprendida por la gente debido a su baja  capacidad de comprensión y de interpretación a la hora de plantear una nueva forma (más elevada de las dimensiones).

Klee plantea como el artista abandona y destruye un objeto que crea y le hace homenaje lo cual es una contradicción  bastante interesante.

Se detiene un momento para hablar de Kandinski y su espiritualidad del arte que se aparta de las ambiciones débiles de una Europa destructiva como también de los personajes débiles que tratan de hacer lo que ya está hecho.

Acerca del arte moderno Klee hace una reflexión de su trabajo y de cómo introduce la escritura para dar un balance en contenido a su obra y planteando que en el mundo de creación es necesario en ocasiones valerse de los medios que posee para no enfrentar tantas dificultades. Menciona como el artista debe relacionarse con los medios que lo rodean usando como ejemplo un árbol y como sus diferentes elementos o partes pasan por una conversión de dimensiones  plásticas comenzando la descripción con carácter formal, con la línea, el color y el blanco y negro que se encargan de formar la obra en términos de peso, forma y densidad. Con el dominio de estos aspectos formales es posible poder tener una seguridad en momentos de construcción de nuevas dimensiones, es importante tener presente que la aplicación de estos elementos plásticos está ligada con el motivo del tema. Menciona que en el proceso de construcción de una obra no solo se construye la plástica sino la inserción de ideas para darle nuevas formas produciendo valores nuevos, mas no destruyendo los valores tomados, pero para ello es de suma importancia poder tener conciencia individual y en conjunto de los medios plásticos.  Plantea el caos como el centro de la balanza. Propone ese centro en un punto matemático o en un gris que está en el medio de todo. Klee propone además de las dimensiones plásticas ya mencionadas, una dimensión vital en la creación artística que es la de contenido. Al hablar de contenido se ve como ya teniendo el conocimiento de las dimensiones plásticas, el artista tiene un sinfín de posibilidades o como el autor declara “desde una simple nota hasta el estallido de una sinfonía de colores”. Con el conocimiento del color viene de la mano la forma y como ella tiene cualidades infinitas también divididas en variaciones tanto terrenales como no terrenales (desde un punto de vista artístico). Ya en este punto la construcción de la obra debe ser llamada composición, sentencia el autor; es importante recalcar que Paul Klee era un erudito en la música.

Al exponer sus apreciaciones sobre dimensionales de lo representado, Klee toma un nuevo y vital punto de vista, el objeto y como el artista lo representa desde la creación.  Al generar, el artista crea una naturaleza de la misma. Las cosas a mientras más tengan una visión amplia, mayor será su permanencia, será poderosa,  se moverá por todo el universo (el todo) haciendo creaciones que van más allá de lo finito. Dice que entonces el artista no debe limitarse a la experiencia de vivir en un solo momento, en un solo espacio, sino experimentar una movilidad diferente que se comporta como la misma evolución de la naturaleza. No obstante Klee persiste en mostrar como en el arte se necesitan encarecidamente tener conocimientos y medios apropiados para poderse convertir en obra.

Los artistas tienen una visión secreta de algo que existe pero nadie ve, propone Klee. Usa como ejemplo el representar una persona. Para el autor esta persona no necesita atribuirle sino una línea, por razones de una superficialidad suprema, de tan alto nivel que el común tiende a confundir ese tipo de síntesis con un dibujo infantil sin tener ni próxima ni pronta la idea de que  es una visión filosófica de la vida aplicada al oficio (Crear).

Toma unos instantes para hablar de cómo el artista intenta plasmar los elementos del objeto, el contenido y el estilo en una sola obra. Pero francamente no lo logra ya que es un sueño imposible. Habla de la Bauhaus como forma de aproximarse a un sostén popular, dando todo lo que tenían a la comunidad.  

Klee plantea un credo del creador. Este credo recae sobre el imaginario como gran herramienta de síntesis precisa.   Sentencia con maestría que el arte no reproduce lo visible, hace visible, lo que es visto por el espíritu a través de la imaginación pura. Expresa como la representación o copia de lo ya existente se puede plantear como analogías de las nociones plásticas.

 En un segmento hace una jubilosa narración de la descripción de un evento en un lugar a través de elementos plásticos, las líneas los puntos, y elementos reales como la rueda, embarcándonos en una carga de intensa (en el muy buen sentido intensidad) de imágenes, que luego llena de un contenido literario o poético de increíble carga.

Habla de la Identidad de los elementos al producir formas, y estas formas capturadas en el acto del arte reflejan nociones temporales ya que el espacio es una noción temporal. Una contradicción interesante es donde el espectador ve la obra de arte desde un final pero debe ir a su origen (su génesis). Curiosamente hace una reflexión en momentos de ver una obra es primordial un asiento para que el cansancio no intervenga con la obra.

 Sentencia que la obra de arte es génesis, que el arte es movimiento fijado, nace del movimiento.

Enfocándose en los caminos diversos en el estudio de la naturaleza Klee postula que el artista al ser naturaleza produce géneros y caminos a través de la actitud que se tome para vincularse con ella. En una reflexión sobre lo nuevo dice “No hay que mirar menos la alegría que inspiran las vías nuevas; pero el vasto campo de la memoria histórica debe preservarnos de una búsqueda compulsiva de la novedad a expensas de lo natural”.

EL artista para Klee es una maquina más sofisticada que la cámara, ya que dispone de una dimensión mayor.

Klee habla de cómo la intuición es de ayuda a los procesos de investigación. En la búsqueda exacta del arte un filtro importante es el reglamento el cual debe ser obedecido y negado, y para ello Klee habla de la importancia de aprender a investigar y a ver.

Reverencia de manera objetiva al genio que lo cataloga como excepción y no como norma. Habla de cómo la academia no aceptaría a los genios ya que problematizan a la lógica y al sentido común.

Ya teniendo todos estos aspectos expuestos de manera impetuosa, Klee habla de elementos filosóficos en todo momento artístico. Plantea con brillantes a la obra del arte no como ley si no que esta por encima de ella.